Clara Shumann 

Clara Wieck Schumann nace en Leipzig (Alemania) en 1819 y muere en Fráncfort en 1896. Fue una virtuosa  pianista  además de compositora,y por si fuera poco editó varias obras de su esposo (R. Sumann) y las dio a conocer tocándolas en conciertos.

Una de las razones por la que he escogido a Clara (además de su indudable virtuosismo y su labor como compositora) es por la increíble vida que ha tenido, tal y como veremos a continuación:

Clara fue la hija menor de Friedrich Wieck y Marianne Tromlitz. Su padre era un reconocido maestro de piano y tenía un negocio de venta de partituras y de pianos. Su madre era una renombrada cantante y pianista. Desde muy temprana edad nuestra protagonista recibió clases de piano , canto ,violín , contrapunto y composición ; no tardó mucho en dar recitales .El primero que dio fue a los 11 años en la Gewandhaus de Leipzig (una sala de conciertos de gran prestigio)

A esa misma edad , llegó a su casa un músico de 21 años a estudiar con su padre .Se trataba de Robert Shumann,quien  entonces era un compositor principiante  que quería seguir la carrera de concertista . Robert se quedó a vivir en casa de su maestro, (cosa frecuente en la época). A pesar de la diferencia de edades poco a poco se forjó una gran amistad entre ambos. Pronto la amistad se transformó en amor y en 1837 pidieron permiso al padre de Clara para casarse, pues ella era menor de edad y tenía que esperar hasta cumplir 21 años o contar con el consentimiento de los padres, pero este último se opuso.

Clara y Robert Schumann se casaron un día antes de cumplir ella los 21 años de edad (lo que traería problemas legales a no ser que hubieran esperado un día más). Wieck reconocía la genialidad de Robert , pero no deseaba ver a su hija con un compositor sin reputación ni reconocimiento y sin apenas ingresos. Fue así como empezó una "batalla legal"  que rompió la relación del padre con la hija . Finalmente dicha batalla fue ganada por los cónyuges , que pudieron vivir juntos y llegaron a tener hasta ocho hijos. 

En aquella época lo común era que los compositores tocaran sus propias obras, pero Robert Schumann se lesionó la mano al intentar usar un invento propio con el cual creía iba a mejorar su técnica pianística. Como consecuencia de esto tuvo que dedicarse a componer y Clara tocaba las obras compuestas por su marido.En definitiva ella era la única fuente de ingresos para la familia. 

En las obras de Robert ,Clara aparece constantemente de manera simbólica.Un ejemplo es en el Carnaval Op. 9, donde hay una pieza que se llama precisamente Chiarina, que, como "Chiara" o "Zilia", es uno de los nombres con que Robert se refería a Clara. Una gran parte de las obras de Robert fueron dedicadas a Clara o  escritas con ella en mente.

Ambos se amaban profundamente , y se demostraban ese amor con composiciones por parte de uno para el otro. Aunque Clara no solía componer tanto como su marido (ya que en ésta época no era usual ni tan bien visto que una mujer compusiera) un fragmento del diario de Clara dice tal que así:

"Hoy comencé a componer de nuevo, por primera vez en varios años. Para el cumpleaños de Robert quiero escribir variaciones sobre un tema de sus Bunte Blätter. Sin embargo, es muy difícil para mí porque he estado alejada de la composición por demasiado tiempo."

La desgracia no tardó en recaer sobre los Shumann ,y es que Robert tuvo que ser ingresado en un centro para enfermos mentales después de sus numerosas alucinaciones y su intento de suicidio.

Por otra parte , Johannes Brahms , gran amigo de la pareja, consiguió hacerse famoso en parte gracias a Robert. Brahms solía presentarle a Clara sus obras antes de estrenarlas y muchas veces ella fue la encargada de estrenar algunas de las obras pianísticas de Johannes. Brahms se integró en el círculo familiar de los Schumann, por lo que sufrió junto con Clara el intento de suicidio de Schumann y su posterior muerte en 1856.

Clara fue el amor platónico de Brahms ,y él se lo hacía saber a ella  de muchas maneras.Unas de las más bonitas es cuando Brahms le escribe una carta en la que asegura que muchos de los Intermezzos que compuso  los hizo pensando en ella. Uno de ellos es éste:   

A pesar de todo esto , Clara nunca dejó de querer a su marido . 

Finalmente Clara Schumann murió a la edad de 76 años , lo que supuso un gran golpe para Brahms, aunque nunca se ha llegado a aclarar la naturaleza de las verdaderas relaciones entre ambos, y a pesar de producirse un distanciamiento cuyos motivos no se conocen.

La pieza que he propuesto es la que Clara le regaló a Shumann por su cumpleaños. Se titula: "Variaciones sobre un tema de Robert Shumann" 

El tema elegido era una pieza que había compuesto Robert , perteneciente a una colección de 14 piezas llamada Bunte Blätter. Vierzehn Klavierstücke op. 99 . Esta obra  se publicó cuando Robert estaba ya hospitalizado.Varios años más tarde apareció otra obra basada en el mismo tema, pero compuesta por  Johannes Brahms.

El tema se compone de tres secciones. La primera sección se repite dos veces y consta de dos frases .La melodía principal está en la voz superior .

Aunque en la partitura solamente aparecen escritas los títulos del tema y de siete variaciones, en realidad hay ocho variaciones. 

Otras obras:

Espero que os haya gustado . 

Si además os apetece visitar un blog sobre el cerebro de los músicos , pinchad aquí: http://cadencialistas.blogspot.com.es/

Germaine Tailleferre

 

Val-de-Marne, 19 de abril de 1892 - París, 7 de noviembre de 1983) fue una compositora francesa.

 

Biografía

Germaine Tailleferre nació el 19 de abril de 1892 en Saint-Maur-des-Fossés, suburbio parisino, bajo el nombre de Marcelle Taillefesse. Su madre, Marie-Désirée Taillefesse, fue obligada por su padre a romper su compromiso para casarse con el joven Arthur Taillefesse, que la había escogido por la simple razón de que tenían el mismo apellido. Este matrimonio de conveniencia fue muy desdichado y la única alegría de Marie-Désirée fueron sus hijos.
La joven Germaine se inicia al piano con su madre y comienza desde muy joven a componer pequeñas obras. A pesar de la oposición de su padre, en 1904 entra en el Conservatorio de París, bajo la dirección de Eva Sautereau-Meyer, en las clase de piano y de solfeo. Como pianista prodigio, con una memoria asombrosa, comienza ganando un primer premio de solfeo. Este éxito disminuye la oposición de su padre que le autoriza a continuar sus estudios, eso si, sin garantizarle su financiación.

 recabado y sobre todo trataré de publicar la música que tengo.Una de las compositoras clave dentro de la música del siglo XX es definitivamente Germaine Tailleferre, nació el 19 de abril de 1892 en Saint Maur des Fossés en Francia y murió el 7 de noviembre de 1983 en París. Perteneció a un grupo de músicos/compositores del mismo país al que se le llamó “Les Six”, eran los protegidos tanto de Jean Cocteau como del excéntrico (y venerado en este blog) Erik Satie; a este grupo también pertenecían Francis Poulenc, Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger y Darius Milhaud, según lo que me encontré en algunas enciclopedias dicen que estos Les Six fueron algo así como un movimiento que se oponía al Impresionismo o al menos renegaban de muchos de sus elementos, sin embargo este dato me resulta bastante confuso ya que he leido en otras partes que se les consideraba también impresionistas, quizás solo por el sencillo detalle de ser de Francia.
Pues buen, Tailleferre fue la única mujer del grupo, su obra suele ser reducida a sus preciosas composiciones para piano sin embargo abarca muchas fomas musicales como sonatas, conciertos, conciertinos, música para ballet, realizó diversos cortes musicales para muchas películas, su característica principal fueron los ensambles musicales poco usuales para su época es decir hacer un quinteto con instrumentos de viento y orquesta de cámara por ejemplo, o sonatas para dos violines y un clarinete, también hizo de la arpa un instrumento principal y no solo secundario al escribir tanto sonatas como concertinos para dicho instrumento. Algo que me llamó mucho la atención fue que Tailleferre cambió su apellido, el original era Taillefesse, según dicen a manera de venganza ya que su padre se negaba a pagarle los estudios en música.
Esta pequeña sonata para arpa que les pongo a su disposición, consta de tres pequeños movimientos en los que dos son rápidos y uno es lento pero no tanto como un adagio, el color que emana su música me recuerda mucho a las obras mas características y famosas de impresionistas de la talla de Ravel sin embargo no tiene muchos elementos de dicho movimiento, por ejemplo en el impresionismo hacen uso de notas alargadas tipo “drone”, en las obras para piano tocan una tecla y presionan el pedal para que esa nota sirva de base para las demás notas que se tocan con rapidez. En esta obra, ambas manos “cantan” al mismo tiempo en un contrapunto que parece enredoso por la velocidad en que se tocan (en los movimientos rápidos) y su tonalidad mayor nos regala al oido melodías “alegres” y de cierto modo “universales”, se escuchan muy complicadas pero es muy fácil gustar de ellas.
Me es muy difícil encontrar una “categoría” o estilo musical en el cual poder clasificar la música de Tailleferre, la única clasificación o periodo que me convence por el momento es “Música del Siglo XX”

Germaine Tailleferre - Arabesque per Clarinetto e Pianoforte , una de sus obras mas célebres.

http://www.youtube.com/watch?v=OXPwMreiJqk

 

Francesca Caccini

Biografía:

Francesca Caccini (18 de septiembre de 1587 - probablemente en 1640), compositora, cantante, profesora de música y poeta italiana de comienzos del Barroco. Fue la primera mujer en componer una ópera.

Hija del compositor y cantante Giulio Caccini, viajó con toda la familia a Florencia, siendo seguramente su padre el que la inició en el mundo de la música. Su primera actuación en público como cantante fue en la boda de Enrique IV de Francia y de María de Médicis en 1600; su padre participó en la organización y composición de la música para la ceremonia.

En 1604, la familia Caccini al completo viajó a Francia. El rey Enrique IV quedó impresionado con sus actuaciones y le propuso que se quedaran en su corte. Sin embargo, los funcionarios florentinos se opusieron, y ella regresó a Italia, donde su fama siguió creciendo. Poco tiempo después, atrajo la atención de Claudio Monteverdi, impresionado por su canto. En 1607 contrajo matrimonio con un miembro del Camerata florentino,Giovanni Battista Signorini.

A principios de su carrera actuaba con sus padres, hermano y hermana con el nombre de Concerto Caccini, pero más adelante formó grupo con su hermana Settimia y el ejecutante romano Vittoria Archilei. En esta época recibió en ocasiones el nombre de la Cecchina.

Durante este tiempo empezó a desarrollar su habilidad como compositora. Conjuntamente con el libretista Michelangelo Buonaroti (sobrino del magnifico artista) escribió música para muchos intermedios en la Corte de los Médicis y también empezó a escribir las recién estrenadas óperas. Antes de 1618 era uno de los empleados mejor pagados de la corte y cobraba más que su padre.

En 1625, obtuvo uno de sus mayores éxitos con la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina, compuesta para la visita del príncipe Ladislaus Sigismondo, ópera que fue interpretada asimismo en Varsovia en 1628, siendo esta la primera ópera italiana representada fuera de sus fronteras.

Los datos de los últimos años de su vida son escasos. Existen documentos en que aparece una Francesca Caccini, esposa de un senador, muerta en 1640, aunque otras fuentes datan su muerte en 1630.

Su Obra:

Francesca escribió cinco óperas, cuatro de las cuales se han perdido (solamente ha sobrevivido La liberazione di Ruggiero). Igualmente compuso obras religiosas, seculares, vocales e instrumentales. La única colección que perdura es una publicación de 1618, Il primo libro delle musiche. Ella escribía claramente para su propia voz y su capacidad.

http://www.youtube.com/watch?v=pXozGldzMLY&feature=youtu.be

Nadia Boulanger

Nadia Boulanger

   Nació el 16 de septiembre de 1887 en París, hija del compositor Ernest Boulanger y nieta de la cantante Julie Boulanger dirigió su vida hacia la música, convirtiéndose así en una extraordinaria compositora, pianista, organista, directora de orquesta, intelectual y profesora francesa. Estudió como alumna de Gabriel Fauré y sirvió de inspiración, enseñando a su vez a muchos de los compositores del siglo XX, como por ejemplo Astor Piazzolla, quien la consideró una figura clave en su vida. Su dedicación como compositora terminó en 1918 al morir prematuramente su hermana Lili, quien también fue una compositora de gran talento. Recuperó obras de Monteverdi en su trayectoria como directora de orquesta y continuó enseñando por diversos conservatorios europeos de prestigio. 

   Dentro de sus composiciones encontramos algunas vocales, de cámara, orquestales, para órgano o para piano. Hay así una gran variedad de obras entre ellas:

Fantaisie pour piano et orchestre

   Comienza con un motivo al que se añaden o se unen cada vez más instrumentos y enseguida el piano toma el protagonismo imitando el motivo inicial con el que había comenzado la orquesta. A partir de aquí, éste va realizando una serie de motivos contestados por la orquesta hasta que empieza a desarrollar un tema con un sutil acompañamiento que no cubre ni enmascara el sonido ni la melodía del piano en ningún momento. Es llamativo el registro en que se mueve el piano, pues es amplio y no suele quedarse estático en una zona determinada, sino que mediante escalas, arpegios o desarrollos de un tema se mueve por todo el teclado dando una sensación de amplitud sonora. En determinados momentos como en cualquier obra para orquesta y piano, es ésta la que toma el protagonismo, y cuando lo hace, no siempre tiene el mismo carácter, ya que puede ser desde muy cantabile y delicado, hasta algunos momentos álgidos en que muestra toda su sonoridad. Es en general muy lucido tanto por parte del piano como por parte de la orquesta y se retoma en ciertos momentos ese motivo inicial con el que se iniciaba la obra. Cabe destacar como último comentario esas disonancias en muchos casos inesperadas que hacen que sea más espectacular y que en todo momento se mantenga la atención ante cualquier nuevo cambio o variación en el desarrollo de esta Fantasía para piano y orquesta.

   Otras composiciones que me gustaría adjuntar para ver cómo puede cambiar el ámbito y el desarrollo de las obras dependiendo de para que instrumento o instrumentos sean éstas. En el primer caso para piano, y en el segundo para órgano, a pesar de que de alguna manera ambos poseen un carácter similar al que en general se aprecia en el primer vídeo.

Vers la vie nouvelle (piano)

Prélude in F Minor (órgano)

https://www.youtube.com/watch?v=T12qCU-ZEp4 

Laura Bengoa Rojano 

Francesca Caccini

Francesca Caccini (1587-1640) fue una compositora, cantante, profesora de música, multiinstrmentista y poeta italiana del Barroco, conocida por ser la primera compositora de ópera de la historia.

Hija del compositor y cantante Giulio Caccini (quien la inició en canto, laúd y composición) y de la cantante Lucía Gagnolanti, Francesca fue una mujer muy cultivada; además de la música, controlaba otras disciplinas como los idiomas, la aritmética, la astrología o la alguimia. Las fuentes históricas la reconocen como una gran intérprete en arpa, laúd, tiorba, clave, y voz, que era su instrumento principal (esto se ve reflejado en sus obras para canto, que siempre compuso acorde a su registro y capacidades).

Francesca pasó una parte de su vida como intérprete; destacó en el grupo de cámara Concerto Caccini y en el dúo Concerto delle donne. En esta última agrupación pasó a trabajar para la corte de la duquesa Cristina de Lorena, y recibió clases de Contrapunto.

Poco después Francesca empezó a escribir música junto con el libretista Michelangelo Buonarrotti, creó la primera escuela de canto tal y como las conocemos ahora, y compuso la música para la ópera Il ballo delle Zigane. No es de extrañar que se convirtiera en la música mejor pagada de la corte y fuera apodada la Monteverdi de Florencia.

Compuso al menos dieciséis obras, entre las que se incluyen óperas, obras religiosas, seculares, vocales e instrumentales. Por desgracia, la mayor parte de dichas obras se ha perdido.

Me gustaría hacer referencia a una de sus obras, Lo mi distruggo, et ardo. A nivel compositivo, refleja las críticas que nos llegas de las fuentes históricas: en primer lugar, podemos ver que Francesca ponía especial atención en el aspecto rítmico de las obras, en relación con las sílabas y en los melismas, que escribía con gran precisión en sus partituras; y en segundo lugar, podemos escuchar cómo cedía más importancia al desarrollo armónico que a las disonancias generadas por el contrapunto (muy de moda en aquella época por las obras de Monteverdi). Aquí tenemos una grabación de la obra:

GERMAINE TAILLEFERRE (1892–1983).Nace el 19 de abril de 1892 en Parc Saint-Maur, pequeña localidad situada a las afueras de París. Muy pronto dará pruebas de talento musical y comenzará a componer desde la edad de 5 años.
Inicia su formación musical en 1904 en el Conservatorio de París bajo la tutela de Madame Eva Meyer (solfeo), pese a una objeción paternal muy seria. Más tarde, estudiará con Dallier (armonía), Caussade (repentización) y Estyle (acompañamiento), obteniendo numerosos premios. Escribe varias composiciones durante sus años en el conservatorio a la vez que continúa estudiando piano, mientras que solo comenzará mucho más tarde a estudiar composición.
En 1917, Éric Satie escucha “Jeux de Plein air”, para dos pianos, y la proclama “su hija musical”. Se convierte así en una de esos “nuevos jóvenes”, más tarde bautizados por Henry Collet como “Los Seis Franceses”, habitualmente conocidos con el nombre de “Grupo de los Seis”, cuyo guía espiritual fue Cocteau. Estaba compuesto por Poulenc, Milhaud, Honegger, Auric y Durey. El Grupo, aunque dio varios conciertos de sus obras, solo produjo oficialmente un álbum que comprendía clases musicales para piano y un ballet, “Les Mariés de la Tour Eiffel” (Los novios de la Torre Eiffel), que evocaba la “alegría de vivir”.
Germaine Tailleferre continuó estudiando composición, primero con Koechlin, y luego de manera más informal con Ravel.
Cuando Germaine Tailleferre partió a América como solista de sus propias obras, conoció en Nueva York al caricaturista americano Ralph Barton. Se casaron enseguida, pero Barton se volvió celoso del creciente éxito de Germaine Tailleferre y la desanimó para componer de nuevo. Pese a ello, llegó a escribir algunas obras importantes. La pareja se instaló más tarde en París para divorciarse poco tiempo después.
Germaine Tailleferre conoció después a un abogado francés, Jean Legeat yvolvió a casarse en 1931, matrimonio del que nació su único hijo, Françoise, que llegará a ser pianista de concierto. Una vez más, Germaine Tailleferre será desanimada por su segundo marido respecto a continuar con la composición. Pese a todo, consiguió terminar la extraordinaria “Cantate de Narcisse” (1937) en colaboración con Paul Valéry en el texto.
La pareja emigra a América en 1942 para volver de nuevo cuatro años después sin que que hubiera compuesto nada. Germaine Tailleferre y Jean Legeat terminaron convirtiéndose en extraños el uno para el otro.
Entonces, escribe varias obras, especialmente óperas, “La petite sirène” (La sirenita) y “Le Maître” (El Maestro), varias óperas bufas, “La fille d’ópera” (La hija de la ópera), canciones “Chansons du folklore de France”, y música para películas, televisión y radio. Su música, alegre aunque sofisticada, resulta siempre accesible.
Entre otras recompensas, recibió la Medalla de la Ciudad de París, el Premio Italia. Profesora en la Scola Canturum y, más tarde, en la Escuela Alsaciana, continuó enseñando música hasta los 90 años.
Su “Concerto de la fidélité” (Concierto de la fidelidad), fue ofrecido como gran estreno en la Ópera de París en 1982.
Germaine Tailleferre falleció en París el 7 de noviembre de 1983.

Tailleferre fue la única mujer de "El grupo de los seis" , su obra suele ser reducida a sus preciosas composiciones para piano sin embargo abarca muchas fomas musicales como sonatas, conciertos, conciertinos, música para ballet, realizó diversos cortes musicales para muchas películas, su característica principal fueron los ensambles musicales poco usuales para su época es decir hacer un quinteto con instrumentos de viento y orquesta de cámara por ejemplo, o sonatas para dos violines y un clarinete, también hizo de la arpa un instrumento principal y no solo secundario al escribir tanto sonatas como concertinos para dicho instrumento. Algo que me llamó mucho la atención fue que Tailleferre cambió su apellido, el original era Taillefesse, según dicen a manera de venganza ya que su padre se negaba a pagarle los estudios en música.

Esta pequeña sonata para arpa consta de tres pequeños movimientos en los que dos son rápidos y uno es lento pero no tanto como un adagio, el color que emana su música me recuerda mucho a las obras mas características y famosas de impresionistas de la talla de Ravel sin embargo no tiene muchos elementos de dicho movimiento, por ejemplo en el impresionismo hacen uso de notas alargadas tipo “drone”, en las obras para piano tocan una tecla y presionan el pedal para que esa nota sirva de base para las demás notas que se tocan con rapidez. En esta obra, ambas manos “cantan” al mismo tiempo en un contrapunto que parece enredoso por la velocidad en que se tocan (en los movimientos rápidos) y su tonalidad mayor nos regala al oido melodías “alegres” y de cierto modo “universales”, se escuchan muy complicadas pero es muy fácil gustar de ellas.

Henriëtte Bosmans

Henriëtte Bosmans (6 de diciembre de 1895 – 2 de julio de 1952) fue una compositora holandesa.
Nacida en Amsterdam, hija de Henri Bosmans (chelista solista de la Royal Concertgebouw Orchestra) y de  Sara Benedicts (profesora de piano del Conservatorio de Amsterdam). Muerto su padre al tener Henriëtte muy corta edad, fue criada por su madre, con quien estudió piano. A la edad de 17 años ya era profesora de piano como su madre. Fue una pianista muy célebre en los años 20. Actuó como solista bajo la mano de conocidos directores, como Pierre Monteux o Ernest Ansermet por toda Europa, así como en la Royal Concertgebouw Orchestra de Amsterdam.

En cuanto a la composición, tiene tres periodos, cada uno con clara inclinación por un instrumento: el chelo, el violín y la voz, así como siempre el piano, que era su instrumento.
Empezó sus estudios con Jan Willem Kersbergen y con Cornelis Dopper. Su composición fue calificada como romanticismo alemán. De ésta primera época destacan composiciones para chelo, como: "Trío para piano, violín y chelo", 1926 "Impresiones para chelo y piano" (1926) y el "segundo concierto para chelo" (1923). Esto es debido a que durante esta época vivió con la chelista Frieda Belinfante, la cual estaba enamorada de Bosmans.
Más tarde empezó a recibir clases de composición de Willem Pijper, cuando éste le dijo que su fuerza radicaba en su asociación con el pasado, pero que ésto le traería la debilidad futura. Así, él le enseñó a Bosmans las técnicas modernas, como politonalismo y polirritmia. Su estilo se desarrolló y se hizo más concisa y sus ritmos más feroces. El "Concertino para piano y orquesta" de 1928 es una buena muestra de esto.
Otra persona significante en su vida fue el violinista Francis Koene. Al principio de los años 30 compartieron escenario para interpretar el "concierto dodecafónico de cámara para piano y violín con 13 instrumentos de viento" de Alban Berg. El público no recibió bien esta música. La compositora y el violinista se casaron y él fue su inspiración para componer la "pieza de concierto para violín y orquesta" (1934). Sin embargo, su marido no llegó a tocarla pues murió ese año, sumiendo a la compositora en una depresión que la llevó a dejar de componer por un tiempo. Más tarde debido al nacismo tuvo difícil desarrollar su música, que fue prohibida.
Después de la guerra se centró en otro instrumento: la voz. Destacan una de sus primeras composiciones vocales, "Daar komen de Canadezen" (1945) y la cantante Noemie Perugia, con quien realizó muchos de sus trabajos.

Cabe destacar que hay un premio llamado "The Henriëtte Bosmans Prize" en su honor. El fin del premio es estimular a los jóvenes compositores holandeses, es otorgado por la Sociedad de Compositores Holandeses desde 1994, y consta de 2500€ y de una actuación.

Pieza de concierto para violín y orquesta, movimiento final. (Henriëtte Bosmans)

Análisis y valoración personal:
He elegido esta composición por varias razones. La primera es que me han encantado los cambios de ritmo, y la armonía, que da un aire oriental, como pasa por ejemplo en la obra de Strauss "Marcha Egipcia". Además la orquestación es genial y me gustaría destacar la labor de los vientos y de la percusión en dar tensión a la obra, así como el virtuosismo del violín. También se usan silencios para dar más intensidad al tutti y a los matices.

He puesto la parte final del concierto, porque es más interesante y tiene menos partes lentas. Aquí dejo la primera parte (http://www.youtube.com/watch?v=95PAkjndHMw) por si queréis hilar los temas tal como he descrito. Al final de este primer vídeo se va hilando el tema del principio del 2º vídeo, que es el último en aparecer.

Hay una gran diversidad de temas. Los temas principales se repiten motívicamente (cambiados, pero se reconocen claramente):
Tema 1: Inicio, se escucha en el tutti del principio de la obra (se repite en el 18, en el 86 y al final de la obra).
Tema 2: En el número 7 "la  la  do  la  sol.fa.mi.re.do.si♭.do.re.mi.fa.sol..." (incide en el número 14 y en el 27, así como en el 91).
Tema 3: En el número 12 "si♭ la  fa# la  si♭ la  fa#  la sol♭ fa♮ sol♭ la si♭..." (en el 78 se repite claramente el motivo.)
Tema 3b: Hay una escala descendente en ostinato en el 32 "si♭ la sol  fa# ..." que crea una melodía en el 52 que recuerda algo al inicio del tema 3.

La escala descendente del número 44. (mi♭ do  si  la♭...), que equivaldría a "si♭ sol  fa# mi♭", es similar a la anterior del tema 3b. Progresivamente se han ido sustrayendo algunas notas del motivo del tema 3 y añadiendo otras que han ido cambiando su matiz. Así, llegamos a este ostinato que forma una 5ª Justa desde la última nota a la primera (al repetirse). Este intervalo (5ª J) va a dar lugar al último tema de la obra, el que empieza realmente en el vídeo número 2 (el indicado en esta entrada). Es un intervalo importante pues hasta ahora la obra se ha basado fundamentalmente en terceras y segundas para crear las melodías. Aún así estas se mantienen en este último tema, que empieza reconociblemente en la melodía del violín:
Tema 4: "re  re  la  sol#  mi  mi♭ mi♭ sol♮ re".
El tema se repite mucho en el tutti desde que aparece en el número 60. El violín y la orquesta recuerdan los otros temas hasta el final*, teniendo siempre presente este último, lo cual ocasiona un carácter contrastante.
*(En el número 74 se recuerda el tema del 12, repitiéndose en el 78. En el 86 se recuerda el tema del tutti inicial de la obra. Y en el 91 el tema del número 7 en forma de pedal que llega al punto cúspide. Y la obra termina con el motivo incial de la obra).

Personalmente me ha parecido una obra muy interesante y recomiendo a quien quiera escucharla entera. Por lo que he leído sobre ella, Henriëtte Bosmans era una persona dependiente, pues durante todas sus etapas tuvo gente que le sirvió de inspiración para componer, perdiendo ésta al perder a ciertas personas (como a su marido). Pero ante todo tenemos aquí a una mujer fuerte, que se recuperaba de los golpes, y moderna, que buscaba la superación y la evolución de su música pese a las diferencias del público o a las prohibiciones del nacismo. Una persona abierta a escuchar la opinión de otros compositores, y abierta a aprender nuevas técnicas, lo cual le deja un hueco entre otras mujeres dedicadas a la música.